AMSTERDAM
STEDELIJK MUSEUM
Dal 21 novembre 2020 al 18 aprile 2021
Lo Stedelijk Museum presenta la più grande retrospettiva dell’opera rivoluzionaria di Frank Uwe Laysiepen (1943-2020), noto come Ulay. I lavori che Ulay ha realizzato con Marina Abramović sono senz’altro iconici, ma ULAY WAS HERE mostra come Ulay abbia avuto un’impressionante opera solista, sia prima che dopo la loro collaborazione di dodici anni. ULAY WAS HERE sottolinea che Ulay è stato uno dei pionieri della fotografia Polaroid, della performance e della body art: sperimentale, intransigente e dedito alle questioni sociali. Ulay aveva già iniziato a lavorare con i curatori su questo importante sondaggio prima di morire nel marzo 2020.
Composto da circa 200 opere, alcune mai esposte prima, ULAY WAS HERE esamina l’intera opera ruotando attorno a quattro temi chiave che amplificano la rilevanza contemporanea del suo lavoro: la sua attenzione alla performance e agli aspetti performativi della fotografia; la sua ricerca sull’identità (di genere) e sul suo corpo come medium; il suo impegno con questioni sociali e politiche; e il suo rapporto con Amsterdam, la città in cui ha vissuto e lavorato per quattro decenni. La mostra comprende fotografie, Polaroid (sia in bianco e nero che a colori, dal piccolo al formato reale), Polagrammi, sculture, proiezioni (registrazioni video e fotografiche di performance, film) e materiale documentario.
La complessa espressione artistica di Ulay è radicata nella fotografia. Fin dall’inizio, la sua carriera artistica è stata una ricerca tematica per comprendere le nozioni di identità e corpo, principalmente attraverso una serie di aforismi, poesia visiva, Polaroid e performance intime. Scattando centinaia di autoritratti, Ulay ha esplorato e modificato il suo corpo, scrivendo sulla sua pelle e adornandolo, perforandolo o tagliandolo. Ha sviluppato un approccio innovativo sia nel metodo che nell’argomento, utilizzando la fotocamera come strumento per indagare sulla sua identità mentre esplorava questioni di genere costruite socialmente. Nella serie Polaroid S’he, per esempio, si è presentato come metà uomo e metà donna. Unendo radicalmente la sua vita e l’arte, Ulay ha intrapreso un’esplorazione per tutta la vita della propria identità, alla ricerca di cosa significhi essere “l’altro”, sia esso un altro genere o una minoranza di qualche tipo.
Nel corso del tempo, la gestione della fotografia di Ulay è diventata sempre più performativa, dando vita a FOTOTOT , una serie di performance nel 1975 e nel 1976, che ha esaminato criticamente la natura transitoria e mutevole dell’identità fotografica e il fenomeno del pubblico. Successivamente, le tendenze performative all’interno del mezzo fotografico si sono trasformate completamente nel mezzo della performance. Dopo la sua iconica azione nello spazio pubblico, Irritation – There Is a Criminal Touch to Art (1976), Ulay ha aperto nuovi orizzonti nella performance art insieme a Marina Abramović. I due si sono spinti a vicenda in regni sempre più estremi e inesplorati di disagio emotivo e resistenza fisica. Anche nelle sue successive esibizioni, il suo corpo è rimasto oggetto di ricerca.
Ulay ha usato il proprio corpo come medium ed è andato agli estremi, fino al punto di mettersi in pericolo; per GEN.ET RATION ULTIMA RATIO , ha persino trapiantato un pezzo della sua stessa pelle tatuata. Le sue esibizioni con Marina Abramović avevano la stessa intensità e forza di confronto. In Breathing In / Breathing Out (1977) hanno condiviso un bacio apparentemente infinito, a rischio di perdere conoscenza, mentre durante Imponderabilia(1977) erano nudi in uno stretto passaggio, costringendo il pubblico in arrivo a fare una scelta scomoda. Ulay era sperimentale per natura e affascinato dai processi, dal cambiamento, dall’incertezza e dal caso. Il suo desiderio di esplorare i confini del mezzo fotografico lo ha portato a utilizzare formati Polaroid più grandi, e alla fine a lavorare dall’interno della scatola nera. L’enorme dimensione del negativo gli ha permesso di utilizzare il proprio corpo per interagire con esso in scala 1: 1: corpo e immagine coincidevano.
Il lavoro di Ulay rifletteva spesso un impegno per l’ambiente circostante. In una delle sue prime azioni, nel 1976, rubò uno dei dipinti preferiti di Hitler da un museo di Berlino e lo portò a casa di una famiglia turca, richiamando l’attenzione sul trattamento delle minoranze in Germania. Ad Amsterdam negli anni ’70, includeva spesso drag queen e persone transgender nel suo lavoro e documentava i graffiti critici che apparivano sui muri della città nella serie di foto City Virus come protesta contro il rinnovamento urbano in corso. Con Abramović esplora i ruoli tradizionali maschili e femminili della cultura siciliana nell’installazione Terra della Dea Madre (1984). Dal riesame del problema del nazionalismo e dei suoi simboli (Berlin Afterimages) e affrontando la posizione dell’individuo emarginato nella società contemporanea (nella serie Can’t Beat the Feeling – Long Playing Record ), intorno al 2004, sia a livello molto personale che sociale, Ulay si è impegnato in progetti e iniziative artistiche che hanno sollevato consapevolezza della mancanza di acqua potabile a livello globale. “L’estetica senza etica è cosmetica”, ripetuta come un mantra per oltre quarant’anni, è rimasta uno dei principi fondamentali di Ulay.
«Dato il crescente interesse per la performance art, è tempo di rivalutare la storia della disciplina e il background degli artisti che l’hanno plasmata. Ulay, anche durante i suoi anni di collaborazione con Marina Abramović, è stato una figura di spicco nella performance e nella body art sin dagli anni Settanta. Ha usato la sua identità e il suo corpo come mezzo. Con la sua ricca storia e la profonda esperienza nella performance art, lo Stedelijk rinnova il suo impegno per la forma d’arte per affermare il suo significato attuale».
